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  • all about KAKEI GORO掛井五郎
    ART
    あなたは、不世出の彫刻家、
    KAKEI GOROを知っているだろうか
    あなたは、掛井五郎一周忌展
    GOROとFUMI「かならず愛があるから」を、
    見逃さなかっただろうか?
    2万点を超える厖大な作品群が、
    世界のアートシーンを震撼とさせるのはもうすぐだ。
    Do you know KAKEI GORO,
    a sculptor of unsurpassed ability?
    Didn’t you miss the first Anniversary Exhibition of KAKEI GORO,
    “ Goro and Fumi ; For there is always love.”
    The world’s art scene will soon be shaken up by the number of works,
    which is more than 20,000.

    all about KAKEI GORO

    掛井五郎

    佐伯誠◎文

    #1
    「狼は、風を喰らって、飢えをしのぎ」ヴィヨン

     あれは初秋のころだったか、マエストロが小淵沢にある作品収蔵庫へ行くとのことで、同行させてもらった。作品のひとつが毀れてしまったのを修繕するというのだが、ブロンズや鉄という金属でつくられている彫刻が、けっして不変なものでなくほころびたり傷つくということにハッとした。
     マエストロは、作品のまえにすわりこんで、長い時間手をうごかしていた。息子の隆夫さんがかけたCDがながれていて、聴いたことのない曲だったので、なんですか? とたずねると、ジャケットを見せてくれた。 アルヴォ・ペルトの「タブラ・ラサ」。 いきなり虚空に大星雲がひろがったようなめまいをおぼえた。
     外へ出てみると、香ばしい枯れ草の匂いがして空気はこれ以上ないくらい乾いている。ミツバチの羽音がひっきりなしに行ったり来たりしている。KAKEI GOROという稀有の芸術家に出会って、その近くにいられることの幸福に胸がつまった。
     収蔵庫にはおよそ2万点を超える作品がおさめられていて、ときどき開けられるまでは獣のように息をひそめている。いったん作り出されたものは、世界の一隅で生き延びるしかない。なんの用途も持たないだけに、さぞや苦難の連続だろうと不憫にさえ思える。
     KAKEIさんの作品は、どれも破格で乱調で、世間にやすやすと認められるものとは思えなかった。男の、女の、子どもの、犬の、虫の、無数の目が不安げにみつめている。

    調布のアトリエにて Photo: Yasukuni Iida

    #2
    「天使よ、故郷をふりかえるな」トーマス・ウルフ

     「藝術家は故郷に帰ってはいけない」と自らに刃を突きつけていたマエストロだが、故郷はいつも作家の胸中にあった。禁じれば禁じるほど、甘美なものとなっていただろう。 
     それはボブ・ディランの歌にあるように、「犬が自由に走っていて、そのはずのものがそのはずであるところ」。王たることを宣言しても誰も咎めない、ひろびろとした大地。そこが、芸術家のふるさとだ。
     家郷についての背反する想いが、作家のみずみずしい叙情性の泉となってこんこんと湧き出ている。不服従のまま、人格的な成熟や分別にツバを吐いた激越なマエストロ。静岡市民文化会館の壁面に吊られた「南アルプス」という巨大な彫刻は、重力からフワリと浮いてしどけない。この作品は、母へと捧げられたものだというが、こんなにあからさまな母恋いがあるだろうか?
     なりふり構わない「帰郷」の姿態だ。

    故郷・静岡の市民文化会館前に躍動するブロンズ彫刻『南アルプス』

    #3
    「時よ来い 時よ来い」ランボー

     彫刻家の保田春彦さんが、妻のシルヴィアはKAKEI はgenio(天才)だとつねづね言っていたということを、亡き妻を偲ぶような口調で語ってくれたことがあった。保田さんにどういう意味ですかと質問すると「生まれながらの描線の確かさ、大人でありながら子供の描線を有していること」と説明してくださった。そして、KAKEIは死後に必ず天才の系列に入る作家だ、と悲哀をにじませた口調で語るのだった。芸術家にとって才能が恩寵であるだけでなく、災厄であり受難でもあることを知っている人ならではの明察だろう。
     その保田さんも鬼籍に入ってしまって、マエストロは晩年に孤島のようにポツンと存在していた。その孤独は、勁いものだけが持つ宿命だったろうか。老いの衰えというものとは無縁で、思うようにならない足で、大地を蹴りつづけた。

    アトリエに置かれたままのマケット Photo: Yuji Obata

    #4
    「愛するためにだけ、身を屈するがよい」ルネ・シャール

    「あの人は、ずいぶんたくさん作ったんですねえ」
     妻の芙美さんは、ずっと傍にいたひとの背丈をたしかめるようにつぶやいた。たがいに18歳のときに出会ってから、ともに91歳にいたるまでの日々を共有してきたという奇跡! 
     マエストロの最晩年の日々をなんとか映像にしておきたいということになったとき、すぐに思い浮かべたのは、楽聖バッハを妻の視点と語りで描いたストローブ=ユイレの『アンナ・マクダレーナ・バッハの年代記』だった。その想いは消し難くのこっていて、その助走としても芙美さんの回想を、折りあるごとに引き出したかった。
     うかがったことのあるエピソードも、芙美さんの肉声でリフレインされると、バラードの一節のように響いてうっとり聴き惚れる。芙美さんはヴァイオリストだが、もう弾かないのですか? とたずねると、重くてもうだめだと首を小さくかしげた。 
     たった一度だけれど、演奏していただいたことがあって、そのときの曲目は、画家のルソーが作曲したワルツ『クレマンス』だった。
     できることなら、芙美さんに彫刻家の止まらない手について書いてもらえたらと思う。死者をよみがえらせるのは、愛だけだから。

    『ターバン(芙美)』油彩 1988年。パリで1年を過ごしたころの髪型

    #5
    「生きているものはすべてメタモルフォーゼします」ゲーテ

     松本力創案の展示台ができあがって、それを立ち上げてみると、まるで「家」の棟上のような昂まりをおぼえた。川俣正のインスタレーションを思い出させる、スケルトンのうつくしさ、強さ。そこにあるのは、意図された貧しさとでもいうべきもので、消費されることに抗う藝術家の誇らしいスピリットそのものだ。
     マエストロの巨大なドローイングを吊るしてみると、異星のトーテムポールめいた異形だ。柿渋色に塗られているせいか、剥いだ獣の皮の匂いがたちこめたかと錯覚した。まるで、ヨーゼフ・ボイスの「コヨーテ」さながらの切迫した野生だ。地球の裂け目を被うような苔とも見える。あるいは血だらけのキリストの死体を覆う聖骸布? 
     このギャラリーTOMは、村山亜土+治江が創設したギャラリーだが、建築はヨーロッパから帰国したばかりの内藤廣の第一作。彼は、この土地を知ろうと寝袋に寝て過ごしたという。亜土の父、村山知義こそは、現代のアヴァンギャルドの最尖兵だった破天荒のアーチスト。ドイツに留学して、あらゆる藝術の洗礼を受け、演劇、舞踏、絵画、童話、などでめざましい活動をして、アヴァンギャルドにしてプロレタリア文学の担い手という二律背反の爆弾だった。
     ギャラリーの1Fには、かつて小さなステージを擁していて、ジョン・ケージ、一柳慧などがライブをやったという。そのマグマは冷え切っていないで、いつか噴火しないともかぎらない。少し掘ってみれば、そこに暗渠があって、水が滔々と流れている。血なのか、溶岩なのか、やすやすとは凝固しない何かが。

    「変容することを恐れてはならない!」

     マエストロの声が天から鳴り響いた。

    掛井五郎の一周忌展『GOROとFUMI かならず愛があるから』が、12月4日(日)まで渋谷・松濤のギャラリーTOMにて開催。巨大なドローイング『人体デッサン』(左)、最後の作品となった紙彫刻(右)等を中心に貴重な作品を展示。https://www.gallerytom.co.jp

    さえき・まこと
    文筆家。心がけているのは、go solo! 自分の足で歩いて、自分の目で見ること。原石を探すこと。第一発見者になること。不世出の天才、KAKEI GOROがどうして知られていないのか、怒りを抱いてきたが、ようやく没後一周年にして、まとまった作品を展示することができた。いよいよ、KAKEI GOROの世紀が始まろうとしている。この展覧会を見逃した者に、したり顔でアートを語ってほしくない。存在を揺るがすKAKEI GOROの最後の噴火、紙彫刻群に出会ってからだ

    GORO KAKEI

    all about KAKEI GORO

    Text: Makoto Saeki

    #1
    “The wolf eats the wind and endures hunger.” Villon

    It was early autumn when I accompanied the maestro on a trip to a storage facility in Kobuchizawa. He said he was going to repair one of the pieces that had been broken. I was surprised to learn that sculptures made of metals such as bronze and iron are not immutable but can fray and get damaged.
    The maestro sat down in front of the piece and wriggled his hands for a long time. His son, Takao, played a CD, which I had never heard before. When I asked him what it was, he showed me the jacket. It was Arvo Pärt's “Tabula Rasa.” I suddenly felt dizzy, as if a large nebula had spread out in the void.
    Outside, I smelled the fragrant scent of dry grass and the air could not have been drier, and the buzzing of bees came and went incessantly. My heart was filled with happiness to be so close to the rare artist KAKEI GORO. 
    The storehouse contains over 20,000 of his works of art, and until it is opened from time to time, they are like beasts holding their breath. Once created, they can only survive in a corner of the world. I even pity them because they have no use for anything and must be a series of hardships.
    KAKEI's works are all so unprecedented and turbulent that they do not seem to be instantly accepted by the public. The countless eyes of men, women, children, dogs, and insects stare anxiously at us.

    At his studio in Chofu, Tokyo Photo: Yasukuni Iida

    #2
    “Don’t look homeward, Angel.” Thomas Wolfe

    The maestro was always holding a blade to himself, saying, “Artists are not allowed to return home,” but home was always in this artist's heart. The more he forbade it, the sweeter it would have been.
    As Bob Dylan sang, “If dogs run free, then what must be, must be.” It is a spacious land where no one is to blame for proclaiming himself king. That's where the artist's home is.
    The artist's conflicting feelings about home were a spring of fresh lyricism that gushed out of him. A furious maestro who spat on his maturity and discernment with disobedience. The gigantic sculpture “Southern Alps” hanging on the wall of the Shizuoka City Cultural Center floats gently and unobtrusively from gravity. The work is said to be dedicated to his mother. Would there ever be such an overt love for mother?
    It is a posture of “homecoming” that does not care what it looks like.

    “Southern Alps” hanging on the wall of the Shizuoka City Cultural Center

    #3
    “Let him come, let him come.” Rimbaud

    Sculptor Haruhiko YASUDA once told me in a reminiscing voice about his late wife. His wife, Sylvia, always said that KAKEI was a genio (genius). When I asked Mr. YASUDA what he meant by this, he explained that KAKEI had the certainty of the natural drawing line and drawing lines with the heart of a child, even though he was an adult. When he said that KAKEI would be sure to be classified as a genius after his death, it sounded sad somehow. It is a clear insight for someone who knows that talent is not only a grace but also a disaster and suffering for an artist.
    Mr. YASUDA has passed away, and the maestro existed like an isolated island in his later years. Was that loneliness the fate of only the strong? He was not concerned with the decline of old age and continued to kick the earth with his crippled legs.

    Maquette left in his studio Photo: Yuji Obata

    #4
    “Give in only to love.” René Char

    “He has done a lot of works, didn’t he?”
    His wife murmured as if she were feeling the existence of her last husband. It is a miracle that they met when they were both 18 years old and shared their days until they reached the age of 91!
    When we decided to capture the last days of the maestro's life on film, I immediately thought of Straub-Huillet's “The Chronicles of Anna McDalena Bach,” which depicted the musical saint Bach from the perspective and narrative of his wife. I wanted to drag out Fumi's recollection every once in a while, as a preliminary step.
    When Fumi's voice refrained from the episodes I had heard before, it sounded like a passage from a ballad, and I was enraptured to listen to it. Fumi is a violinist. When I asked her “Don’t you play the violin anymore?”  She shook her head weakly, saying it was too heavy to play anymore.

     
    I have had the pleasure of having her play for me only once, and the piece was a waltz, “Clemence,” composed by the painter Rousseau.
    If it were possible, I would ask Fumi to write about the sculptor's unstoppable hands. Only love can bring the dead back to life.

    “Turban” oil painting 1988 My hair when I spent a year in Paris.

    #5
    “All living things metamorphose.” Goethe

    When I displayed the stand designed by Chikara Matsumoto, I felt a sense of excitement as if I had just set up the frame of a house. The beauty and strength of the skeleton reminded me of Tadashi Kawamata's installations. There is an intended poverty in it, and it is the proud spirit of an artist who resists being consumed.
    When I hang Maestro's huge drawing, it looked like a totem pole from another planet. Perhaps because it was painted in a persimmon tannin color, I was under the illusion that the smell of peeled animal skins was wafting through the air. It was as wild and pressing as Joseph Beuys's “Coyote.” It could be moss covering the cracks in the earth. Or could it be a holy cloth covering the bloody corpse of Christ? 
    This gallery TOM was founded by Ado Murayama and Harue Murayama. But it is the first architectural work by Naito Hiroshi, who has just returned from Europe. He spent time sleeping in a sleeping bag to get to know the area. Ado's father, Tomoyoshi Murayama, was a maverick artist who was the vanguard of the contemporary avant-garde. He studied in Germany, where he was baptized in all kinds of art forms and was remarkably active in theater, dancing, paintings, and children's stories. He was the bomb of an antinomy: the avant-garde and the bearer of proletarian literature.
    On the first floor of the theater, there used to be a small stage where John Cage, Toshi Ichiyanagi, and others performed live.  Since the magma has not yet cooled down, it could erupt someday. If you dig a little, you will find an underground drain, and the water runs freely. Is it blood? Is it lava? It must be something that does not solidify with ease.

    “Do not be afraid to transform!”

    The maestro's voice rang out from the heavens.

    First Anniversary Exhibition of KAKEI GORO “ Goro and Fumi For there is always love.” It will take place until December the 4th(Sun.) at Gallery TOM (Shibuya, Tokyo) Rare works on display include a large drawing, “Drawing of the Human Body” (left), and a paper sculpture (right), which was his last work. https://www.gallerytom.co.jp/

    Makoto Saeki
    Writer. I try to go solo! Walking on my own feet and seeing with my own eyes. Finding the gemstones. To be the first to discover. I have long been angry about why KAKEI GORO, an unparalleled genius, is not well known. We were finally able to exhibit a collection of his works on the first anniversary of his death. The century of KAKEI GORO is about to begin. I do not want those who missed this exhibition to talk about art with a triumphant air. That should be after you see a group of paper sculptures, the last eruption of KAKEI GORO that shakes the existence.

  • Kawa
    BOOK
    日本全国のスケーターを独自の視点で撮り下ろす、
    デュオフォトグラファー「川」。
    彼らが手がける紙媒体『川』は、
    今のリアルな日本のスケートシーンを伝える貴重な存在となっている。
    その内容はスケートボードのように自由な発想に満ちて、読者の心を躍らせる。
    『川』の編集者が、その魅力を語る。
    KAWA is a duo photographer who captures skaters
    from all over Japan from their unique perspectives.
    Their print publication “KAWA” archives photos and the voices of skaters.
    It is a valuable source of information about the real skate scene in Japan today.
    Its content is as free-floating as skateboarding, inspiring viewers other than skaters.
    The editor of “KAWA” talks about its appeal.

    Kawa

    文◎長嶋瑞木

     私が川と出会ったのは、浅草で手拭いなど売っている岡野弥生商店の店主である弥生さんに、川の新作ビデオ上映会があるということで誘っていただいたときだった。それは浅草の5656会館というなんとも言えない古くからある会館で行われていた。上映会には若者からおじいさんくらいの人まで見に来ていたのも印象的だった。みんな真剣にそのビデオを見ていて、DVDや本は売っているけど、あまり商業的ではないこんな上映会がスケーターたちの中に存在していることにびっくりしたのが最初だった。
     スケートボードに乗っていなくても、写真の専門編集者じゃなくても、川の写真には、なぜか惹き込まれるような不思議な写真が多くて、だんだん気になる存在になっていった。スケートボードについて全くの無知識である私が、路上で滑るスケートボーダーたちのかっこよさ、生々しさ、日本の風景、自然、哀愁、人間、いろんなものを川の写真から(勝手に)感じて、スケートボードの本なんて買ったことがなかったけど、川の写真集を買った。

     そこから色々、川と話ししていく中で、定期的に出版する本(雑誌)だけど、情報誌でもない、ファッション誌でもない、写真集でもない、(書店営業の際には大変だけど)型にとらわれない形の定期誌をやってみたいということで始まったのが川の本。とにかく川を表現できる本、としか言いようがなくて、“こんな本です”という説明は未だにできない。読み手が感じたことが、その本の答えになるような自由な本を目指している。だから不定期だし、今の形でずっと続くのかどうかもわからないし、それくらい型にハマらず自由に、その瞬間を捉えたものを今は紙で残している、という感覚がある。

     私が川と出会って感じたような感覚を、スケーターたちの間だけでなく、さまざまなジャンルや世代の人に届いて欲しくて、お洒落な本屋さんから街の本屋さんまで営業活動を行っていると、こんなことがおこる。スケートボードはやったことないけど、インスタをフォローしていて、写真が好きなのでいつも見てます。という若い書店員。話し始めは興味がなさそうだったけど、ページをパラパラめくっていくと、「いいじゃない」と言って注文してくれるスケートボードとは無縁のおばちゃん書店員。

     この世の中で、“伝える“方法というのは、文字が一番わかりやすく、直球で伝わりやすいと思うけど、そんな風に言葉ではあらわせないものを、写真で表現して、何かしらが伝わるということって、人間っておもしろいなぁというところに繋がるので、私は川の写真に惹かれるのかなぁと思う。
     荒川さんと関川さん。彼らのことを、客観的にも内側からも、少しだけ見させてもらえている身として言えることは、見ていれば見ているほど興味が湧いてくる2人という感じ。例えば荒川さんは、本をたくさん読んでいて、哲学とか思想の話しをしてくれることがあるのだが、荒川さんたちが撮っている自然の写真とかにも通ずるところがあったりして、当たり前なのかもしれないけど、ただただ撮っているわけではないところにさらに感動したりする。関川さんの写真には、見たことのない写真というものが多くて全く説明ができないが、言葉にならない良さがあって、天才とはこういう人のことを言うのだろうなと感じる。

     定期的に本を出す意味というか、もう1つのおもしろさは、“そのとき“が記録されていること。そのときの周りの雰囲気、世間とか世界とかだったりが、どんな感じだったかが、この本には入っている。最近思うのは、ある種のインスタレーションみたいなところもあるのかなと。ざっくりと、漠然とした伝えたいことっていうのがやはり川にはあって。入稿の数日前まで撮影にのぞんでいてこちらは焦るのだが、それがその時っぽさを出すことにもつながっているのかなと。とにかく本当にギリギリまで撮りに行っている。野生動物の写真家も相当難しい技術が必要だし撮れないこともしょっちゅうあると聞いたことがあるが、予定調和にいかない部分でいうと、近いものがあるのかもしない。

     他のどんなスポーツやコミティにも類を見ない、独特の文化で出来上がっているように感じるこのスケートボードというカルチャー。特に路上で行われているものは、その人のスタイルがあってそれが良くて、下手でも上手くても、変な滑り方でも、なんでもありで。日本の教育の中だけで何も考えずにいうことを聞いて育っていくと、こうなった方がいいという基準が決められ過ぎていて、当たり前のようにそこに向かっていたことに違和感をずっと感じて生きてきた私にとって、意外とこのストリートのスケートボードの考えは、大事なところなのではと感じている。それを勝手に教わってきたというか体感してきて今がある人たちには、同じ余裕というか余白というか。そんなものを感じるのだ。

     そしてこの本には、そんな川がピックアップするスケーターやアーティストのインタビューや寄稿が載っているのだが、スケートボードの話しから全く関係ない話しまで、人それぞれ。だれども、どれも読みごたえのあるものとなっているので、スケートボードに関係のない方々にもぜひ手にとっていただき、川の作品を楽しんでいただきたい。

    川4 ◯ 販売はこちらから

    かわ
    
2016年、2人のフォトグラファー荒川晋作と関川徳之により始まったプロジェクト。日本全国を旅し出会ったスケーターや風景を一冊にまとめてリリース。特集や連載などの文章も充実し、現在の日本のリアルかつコアなスケートシーンにフォーカスした媒体でもある。2022年、4冊目となる『川4 〇』をオークラ出版からリリースした

    ながしま・みずき
    1989年生まれ。オークラ出版、編集部。小さい総合出版社で、ジャンルを絞らず“おもしろい”人たちに声をかけて本づくりをしている。絵本や写真集など幅広く担当している

    Kawa

    Text: Mizuki Nagashima

    My first encounter with KAWA was when Yayoi-san, owner of Okano Yayoi Shoten, a store selling souvenirs of Yoshiwara and other goods in Asakusa, invited me to a screening of a new video by KAWA. It was held at 5656 Kaikan, an indescribably old hall in Asakusa. I was also impressed by the number of people showing up to watch the screening. They were young and old and watching the video so seriouly. I was surprised at the fact that such a less commercial screening existed among skaters, even though DVDs and books were sold.

    Even if I wasn't a skateboarder or an editor specializing in photography, I became more interested in the KAWA's photographs because they had a mysterious quality that somehow drew me in. I was perfectly ignorant about skateboarding and had never bought skateboarding books before. But I bought a book of KAWA because I (selfishly) felt the coolness and vividness of skateboarders on the street, the landscape, nature, sorrow, people, and many other things of Japan from their photos.

    As we talked with KAWA, we concluded that we wanted to publish a book (magazine) regularly. But not an information magazine, not a fashion magazine, not a photo book, but an unconventional type of periodical magazine (which would be difficult to sell at bookstores), and that is how the KAWA book started. Anyway, I can only say that it is a book that can express KAWA, and I still can't explain what it is like exactly. I aim to create a free book in which what the reader feels is the answer to the book's question. So, it is irregular, and I don't know if it will continue in its current form. I only feel that I am now leaving behind on paper what I captured at that moment freely and unconventionally.

    I want not only skaters but also people of various genres and generations to have the same feeling I had when I first encountered KAWA. Therefore, when I do sales promotions for some fashionable bookstores or local bookstores, things like this would happen. I met a young bookstore staff who said, “I’ve never done skateboarding, but I always check the photos on your Instagram, which are my favorite.” I met an old bookstore staff who seemed not interested in skateboarding and said at the beginning,” Looks like fun!” after she flipped through some pages. She ordered the book after all.

    In this world, I think that the written word is the easiest and most direct way to communicate. Interestingly, something that cannot be expressed in words can be conveyed through photography. It leads to the point that humans are full of interest. That’s why I think I am attracted to KAWA photography.

    Mr. Arakawa and Mr. Sekikawa. As a person who has been allowed to see a bit of them, both objectively and from the inside, I can say that the more I watch them, the more I am interested in these two people. For example, Mr. Arakawa has read many philosophy books and sometimes tells me about philosophy and ideology. It is similar to the nature photos taken by Mr. Arakawa and his team. Maybe it's obvious, but I'm even more impressed by what they are not just photographing the subject. There are many of Mr. Sekikawa's photographs that I have never seen before. So that I cannot explain them at all, but they have a quality that cannot be put into words, and I feel that this is the kind of person who is a genius.

    The meaning, or rather, amusing aspect of publishing a book on a regular basis is that it is a record of "that time." This book contains how the atmosphere, the world, and the society around us at that time looked. Recently, I have thought the book is like a kind of installation. I’ve found a rough and vague idea in KAWA, which is what I wanted to convey. I felt pressed when they kept taking pictures until a few days before the deadline, but I think this also helped to bring out a sense of the moment. They always go out to take pictures until the very last minute. I have heard that wildlife photographers also need a lot of skill and often fail to take photos for the day they have to submit them. They may be similar to those photographers.

    Skateboard culture, which I feel it's made up of a unique one unparalleled in any other sport or comity. Especially when skateboarders do on the street, people have their style, which is good, no matter how they are bad at, or good at, or a weird way of skating, anything goes. If you grow up listening to what you are told without thinking, there are too many set standards that you should be like this. That’s how I grew up in this Japanese education system. I have lived my whole life feeling uncomfortable with the fact that I was heading there as a matter of course. So I feel this idea of street skateboarding is more valuable than we thought. Those who have been taught or experienced this idea have the same confidence or generosity. I feel that kind of thing.

    The book contains interviews and contributions from skaters and artists that KAWA picks up, ranging from skateboarding stories to unrelated topics. All of them are worth reading, so even if you are not involved in skateboarding, please try to open the book and enjoy Kawa's work.

    川4 ◯ 販売はこちらから

    Kawa
    This project was started in 2016 by two photographers, Shinsaku Arakawa and Tokuyuki Sekikawa. They traveled all over Japan and released a book of skaters and landscapes they encountered. In 2022, the fourth book, "Kawa 4 ‾" was released by Okura Publishing.

    Mizuki Nagashima
    Born in 1989. Editorial department, Okura Publishing Co., she is making books by calling on people who are "interesting" without narrowing down the genre for a small general publisher. She is in charge of a wide range of books, including picture books and photo collections. 

  • Robin Kegel ロビン・キーガル
    SURF
    2000年代初頭、カリフォルニアのサーフシーンに
    彗星のように現れた天才サーファーがいる。
    その名はロビン・キーガル。サーフボードの作り手として、
    その後のロングボードシーンに大きなインパクトを与えた。
    無名の時代から現在まで、レンズを通して見つめてきた写真家が、
    奇才の内側に迫る。
    In the early 2000s, a prodigious surfer burst upon the California surf scene.
    His name is Robin Kegel. As the creator of surfboards,
    he had a much impact on the subsequent longboard scene.
    A photographer who has looked through the lens from his days of obscurity to the present day,
    takes us inside the mind of a prodigy.

    Robin Kegel

    ロビン・キーガル

    Pero◎文・写真

     彼と初めて遭遇しセッションした時のことを覚えている。
     うまく表現できないけれど、とにかくエキセントリックに激しかったという感覚だ。初めて楽器を与えられた子供が、兎にも角にも激しく奏でている感じだけでない、凄い何かがあったといえば伝わるだろうか。彼はいつも忙しかった。だが何故だろう、そのリズムは悪くなかったしむしろ引き込まれる感じだったと思う。決して闇雲な感じではなく、古典的なルールから外れてはいなかったのか居心地は悪くないのだ。
     Nikon Fe-2を持っていた僕は自然とカメラを構え何回もフィルムチェンジしていた。その時は、新しく越してきた家のガレージに突然、コンパネを打ち付けてバンクを作りスケートをしようとしていた。普通だったら即、退去させられるようなことを平然と行っていた、どこからか、スケーターと思われる近所の金髪ロン毛の子供も来て、数人で壁を責めまくり2時間ほどして作ったバンクが押し潰れてそのセッションは幕を閉じた。そのコンパネは本当はガレージをシェイプルームに作りかえるものだったということに気付いても、もうそれはゴミとなっていた。でも、その場を共有した皆がやり尽くし恍惚とした顔をして、ビールを飲んでいたのを覚えている。

    カリフォルニア、ダナポイントのスケートパークにて。ベアフットがロビンらしい。2005年

     ロビン・キーガルは天性の素質なのか人を魅了する術を知っていた。
     その時の彼は、シェイパーとしての才能を開花させようとしている時だった。
     まさに、昔のサーフィン黄金時代にガレージシェイパーという言葉ができたように、彼は自宅の一階の駐車場をシェイプルームとしてスタートしようとしていたのだ。彼は、先人をなぞらえるかのよう導かれたように自らのシェイパー人生を始めた。そして、創り上げるボードの形とその配色においても、時代の先を見据えたかのように革新的で美しいボードをカリフォルニア、サンオノフレビーチで披露し続けていた。誰もが羨む美しく彼の作り上げたボードには、コーディ・シンプキンス(Cordy Simpkins)、CJネルソン(CJ Nelson)、アレックス・ノスト(Alex Knost)、クリスチャン・ワック(Christian Wac)と、2000年代前半のシングルフィンロングボーダーの中でもとびきりイカしたサーファー達が彼のボードの特性である尋常でないスピードのボードを、稀有な才能で見事に乗りこなしカリフォルニアの波に美しい弧を描いていた。その様子はまるで、彼の飼育していた極上の暴れ馬を乗りこなすロデオ達ではなく、馬に跨り踊り舞うイカしたエトワール達といった感じであろうか。しかもロビンは、その暴れ馬を育て上げるだけでなく、自らも極上の暴れ馬を見事に乗りこなしてしまうところがさらに皆を引き付けたのだろう。彼が創り出すボードは、その時点ではまだ本当に彼の求める極上のボードではなかったのか。彼は間違いなくさらに新しい何かを追いかけボードを作り続けていた。目の肥えてイカしたエトワール達が彼のボードを求めたのは、ただ奇抜なのではなく、歴史に基づいた上で推敲に推敲を重ねロングボードを進化させようとしていたことを理解していたのは紛れも無い事実であった。そして皆、彼の奇行には頭を抱えただろうが、彼を誰よりも早く評価していた。

    ウエスタンサハラ。2011年

     彼はとにかく、その時のイカしたサーファー、その時代の本物達を巻き込んでいた。
     出会ってから数十年、今やロビンのことはシングルフィンロングボードが好きなサーファーだけでなく彼の幅広いバイタリティーにより数多くの人々が彼のことを周知している。彼の各国への旅、ロビンにとってのテストボードの旅にはサーファーであるだけでなく色々な職種の人々が同行していて、その中にはミュージシャン、洋服のデザイナー、芸術家(!?) 、シェフ、弁護士、素敵な女の子達、本当に多種多芸なキャラの強いサーファー達が彼の周りには集まる。波乗りにだけ没頭しているようなロビンだが、幼少時代の教育が恵まれていたのか芸術や音楽に造詣が深く、そこからインスパイアされボードに反映させている側面がある。だから、意識の高い方々にもというか、そういう方々の方が彼の創り上げたものを愛しているように思える。

    ロビンのシェイピングはミュージシャンのようなグルーヴ感が漂う。2009年、湘南

     シングルフィンロングボードは歴史があり素晴らしく懐古的で美意識の高い文化である。波の力のあるところにボードセットして危ないポジションにいてもボードの上でグラつかず優雅に乗りこなし、誰にも似てない所作が生み出されヒーロー達が生まれた、そこには乗り手であるサーファーだけでなく、ボードの創り手であるシェイパーとが互いに響きあって進化し続けた証だ。現在になり、懐古的で美意識の高い文化なら、昔のヴィンテージボードをそのまま乗り続けるという考えももちろんある。だが、老舗のラーメン屋の言葉ではないが、「昔と変わらぬ味というのは、同じではなく少しづつ今の時代に合わせ食材や調合を変えている」のだ。終わることのない微調整ということであろうか、波乗りで言うところの「トリム」である感じがたまらない。ヴィンテージボードは変わらぬままだが、自然環境の変化によりポイントごとの波の質は変わっているので、同じ環境であの頃を体験するということはとてもシビアなことだと思う。今の波でヴィンテージボードに乗るということは、一つのスタイルとしてとてもイカしている。だがロビンのアプローチはそこからまたさらに違う角度の、彼独自の美意識から発展している気がする。

    アレックス・ノストとともにダナポイントのシェイプルームにて

     1960年代後半から1970年代にかけて革命的な進化を遂げたショートボードレボリューション期、ロングボードよりさらに急激なターンを求めボードが短くなっていった歴史があるが、「ロングボードが進化したとしても急激なターンは求められるはずさ。それを俺は創る」というようなことをロビンが話してくれたことを覚えている。ロングボーダー達からすればなんと嬉しい救いの言葉だろうか。それとも、ロビンは天邪鬼なのか。 僕から見るとその流れは自然と導かれているような感じもあった。彼の生活は全部波乗りのことだけで溢れていた。食事をした後も波乗りや次に創り上げるボードの話ばかりしていた。そしてその時には不思議といつも綺麗な音楽が流れていた。ワーグナーであったりマイルス・デイビスやセロニアス・モンクさらにオペラであった。とりわけ多かったのはジャズだったかな。彼が深夜遅くにシェイプしていた時に流れていたのを覚えている。彼の作品に対するアプローチは極上なものの中に身を置き、さらに極限的なものを生み出す、そんな感じだ。

    サンオノフレでのサーフセッションを終えて。映画『レボリューション』を観ながら帰路

     彼は本気でその中で生きることを覚悟していたようにも思う。その中とは美意識だ、彼は食事も手を抜くことなく、お金に糸目をつけず贅沢の限りを尽くし自分の肥やしにしていた。
    「お前が食事している時も俺は波乗りのことを考えている」
    「お前が寝ている時も俺はボードをシェイプしている」
    「お前が波に乗りをしている時、もちろん俺も波に乗っている」
     有名なボクサーの言葉ではないが、そんな感じだ。
     もしかしたら彼の生い立ちがそうさせたのかもしれない、きっと彼はこの世界にしか居場所を見出せなかったのだろう。家庭環境の関係で、彼にとってビーチこそが自分の居場所だった。そして、自分という存在を示し頭角を現し続けてきた。彼の特筆すべきところは、心がとてもハングリー精神と探究心に満ち溢れて、至極の作品を創り上げたいという思いが込められていることだ。人生をそれだけに賭け、走り続けているなんて最高な覚悟ではないか。そして、ロビンの創るボードは、ある種のオートクチュールの洋服や陶芸品のようなものになってくるのではとさえ思う。

    カリフォルニア、サンオノフレ。ロビンとのファースト・フォトセッション。2005年

     彼はこれからもシングルフィンロングボーダー達だけでなくサーファー達を巻き込んでゆくのだろう。まるでハーメルンの笛吹きかのように、その後の結末と解釈は個人に委ねられるかのように。そしてロビンには終わることのない微調整をし続け、シングルフィンロングボーダーを導いていって欲しい。
    「Surf is Free」
     青山でのロビン主催の初めてのイベントでさりげなく掲げていた言葉。その話はまたどこかで。

    ペロ
    写真家。鵠沼生まれ。ロビン・キーガルを始め、国内外のサーファーと旅をして写真に収めることをライフワークとしている。サーファーのライディングはもちろん、独自の視点で撮影するライフスタイルシーンやポートレートにも定評がある。ウェブギャラリー(https://www.perophoto.com/)にて、作品の注文も可能

    Robin Kegel

    Text & Photos: Pero

    I remember the first time I encountered and had a session with him.
    I can't describe it well, but it was eccentrically intense. He wasn't just like a kid who had been given an instrument for the first time and was playing it with intensity. He has something wonderful. He was always busy. But somehow, I didn’t think the rhythm he played was bad, in fact, I think I was charmed by how it was. I wasn’t feeling like being in the dark. I didn’t feel uncomfortable while being with him. Perhaps he didn’t ignore the rules. That’s why.
    I had a Nikon Fe-2, and I naturally set up the camera and changed films several times. At the time, he was suddenly trying to skate in the garage of the house he had newly moved into, hammering down plywood panels to make banks. He was doing things that would normally get them evicted immediately without a second thought. A blonde kid who seemed to be a skater came over from somewhere, and after about two hours they beat up the walls together, the banks were crushed and the session was over. When we realized that those panels were meant to remake the garage into a shaping room, they were already trashed. But I remember everyone who shared the moment was ecstatic to have done it and was drinking beer.

    At the skate park in Dana Point, California Barefoot! It’s so Robin.

    Robin Kegel knew how to charm people. Perhaps it was his natural disposition. He was about to develop his talents as a shaper. He was going to start a shaping shop in the garage of his house, just as the term "garage shaper" was coined in the golden age of surfing.
    As if he was guided by his predecessors, he began his own life as a shaper. He continued to create innovative and beautiful boards with shapes and color schemes in San Onofre Beach, California, just like looking ahead of the times. Cordy Simpkins, CJ Nelson, Alex Knost, and Christian Wac were the coolest single-fin longboarders in the early 2000s. They rode his beautiful surfboards that everyone would envy. Moreover, they rode them with extraordinary speeds that were characteristic of his surfboards with rare talent, and they made beautiful arcs on the California waves.

    When they rode the boards Robin shaped, they didn’t look like the rodeo riders on the restive horses, but they were like the best and the coolest ballet dancers dancing with those horses.
    Moreover, Robin probably attracted everyone even more because he didn’t only create those boards, but he was the best of the best rider of his surfboards. Was the board he was creating still not the superb board he had pursued then? He was chasing something new and different.
    Definitely, the boards that Robin shaped were different from others. That’s not the only reason those coolest and discerning surfers wanted to ride his boards. But they deeply understood that Robin was trying to evolve the longboard based on history and after much elaboration and refinement. Although they might have been annoyed by his eccentricities, they were more quick to appreciate him than anyone else.

    Western Sahara, 2011

    He got the coolest surfers and those who were in pursuit of authenticity in those days involved with his work. Decades after we met, Robin is now well known not only by surfers who love single-fin longboards but also by countless others, thanks to his wide-ranging vitality.
    Robin's test board trips to many countries are accompanied by people in all types of business, not just surfers, including musicians, clothing designers, artists (!?), chefs, lawyers, and nice girls. He is surrounded by surfers with strong characters who are truly multifaceted.
    Although Robin seems to devote only to surfing, his childhood education may have affected him to acquire deep knowledge of art and music. He is inspired by it and reflects it when he makes his boards. So, it seems to me that people who are very conscientious love what he has created.

    Robin's shaping is as groovy as a musician's. Shonan, 2009

    Single-fin longboards have a long history and are a wonderfully nostalgic and aesthetically pleasing culture. The heroes were born from the precise manner in which they rode gracefully without wobbling on their boards, even when they were in dangerous positions, setting their boards where the waves were strong and dangerous.
    There is proof that not only the surfers but also the shaper, the creator of the board, have continued to evolve in harmony with each other. Thinking about Nostalgic and aesthetic culture, of course, there is the idea of continuing to ride the old vintage boards as they were. However, in the words of a long-established ramen noodle shop, "The same old taste is not the same old taste, but rather a little bit of seasoning and ingredients have been changed to suit the current times.” A never-ending fine adjustment, which is a "trim" as in surfing, sounds fascinating.

    At his shaping room in Dana Point with Alex Knost

    Vintage boards remain the same, but the quality of the waves at each point has changed due to changes in the natural environment, so it is so hard to experience those days in the same situation. You can say that riding a vintage board in today's waves is a very cool style. But I think Robin's approach has developed from a different angle, from his kind of geek knowledge.
    The revolutionary evolution of shortboards in the late 1960s and 1970s was a period of the shortboard revolution when boards became shorter and shorter to make more rapid turns than longboards. I remember Robin saying, “Even if longboards evolved, you'd still be expected to make sharp turns, and this is what I will create.” What a welcome relief for long boarders. Or is Robin a contrarian?
    From my point of view, it was as if he was being guided by nature. His life was all about surfing. Even after dinner, he was always talking about surfing and the next board he was going to create. And, strangely enough, there was always beautiful music playing at that time.
    It was Wagner, Miles Davis, Thelonious Monk, and even opera. I think jazz was the most common. I remember it being played when he was shaping late at night. His approach to his work was to place himself in the midst of the finest and create something even more extreme.

    After a surf session in San Onofre, California Heading home while watching the movie "Revolution"

    I think he was seriously prepared to live in “It”. “It” means aesthetics sense. He never skimped on his meals, and he lavished himself with every possible luxury without regard to money.
    "When you're eating, I'm thinking about surfing.
    "When you're sleeping, I'm shaping boards.
    "When you're riding the waves, of course I'm riding the waves."
    Not the words of a famous boxer, but that's how he goes.
    His childhood might make him find his place only in the surfing world. Because of his family background, he has felt comfortable at the beach.
    And he has continued to show who he is and made a name for himself. What is noteworthy about him is that his heart is filled with a hungry and inquiring spirit and a desire to create the ultimate work of art. Isn't it great determination to bet his life on that and keep running? And I even think that the boards Robin creates will be like haute couture clothing or ceramic works.

    San Onofre First photo session with Robin, 2005

    He will continue to engage surfers as well as single-fin longboarders. Like the Pied Piper of Hamelin, the consequences and interpretations will be left up to the individual. I hope Robin keep on making a fine adjustment and leading the single-fin longboarders.
    “Surf is Free."
    These words were casually displayed at the first event hosted by Robin in Aoyama. We will talk about it again somewhere else.

    Profile
    Photographer. Born in Kugenuma. His life work is to travel and photograph surfers in Japan and abroad, including Robin Kegel. He is known for his surfers' riding, lifestyle scenes, and portraits taken from his unique perspective. You can order his works at the web gallery. https://www.perophoto.com/

  • Cuba キューバ
    TRIP
    フォトグラファーが思い出の写真から、
    その裏側にある物語をたどるフォトエッセイ。
    シャッターを押した瞬間の時間と空間がフォトエッセイとしてよみがえる。
    今回は、中悠紀のキューバへの旅。
    A photo essay in which a photographer traces the story behind memorable photos.
    The time and space of the moment
    when the photographer pressed the shutter of his camera
    come back to life as a photo essay.
    This time : Yuki Naka’s trip to Cuba.

    Cuba

    キューバ

    中悠紀◎文・写真

    空港を降りると異様な熱気に包まれた。東京から約18時間のフライトを終えた私の体は辟易としていたが、その熱気に包まれた途端に身体が興奮したことを覚えている。 2017年の10月。日本はもう夏の終わりを迎え、涼しい風が吹き始める季節だが、この国にそれはない。深夜に到着したというのに少し汗ばむくらいの気温で、日本の初秋の服装のままで飛行機や空港の快適な空調に慣れてしまっていた私の身体が反応したのかもしれない。 空港の前にはいくつものタクシーが停まっており、私も前の人に習って拙い英語で目的地と価格の交渉を行う。空港から首都までは3000円程度だと聞いていたが交渉の成果なのか少し安くしてくれた。いかついスパニッシュ系のタクシー運転手が笑顔で言う。

    「ようこそ、キューバへ」

    私はついに訪れる事ができたのだ。 冬のない国ではおそらく見かけないであろう、厚着をした私に向かって運転手は続けて、

    「上着脱げよ、暑いだろ?」

    「キューバは熱い国だからな。エンジョイしていこう!」

    と陽気に喋り、おもむろに音楽を流し始める。 私が日本で慣れ親しんでいたキューバンミュージックではなく、ヒップホップのようなテイストの音楽だった。 小気味良い音楽に耳を傾けながら、タクシーの窓から外に目を向ける。暗闇の中に、心もとない街灯とうっすら見える椰子の木の合間に点在する建物がスライドショーのように流れていく。段々と建物の風貌が変わりハバナの都市部に近づいているのか、まるで歴史の地層を潜っている感覚だ。 間もなくして目的地の宿(カサ)に着き、深夜だというのにホストが笑顔で迎えてくれた。

    「待っていたよ、疲れたろう?」

    「さぁ、案内するからこちらへ」

    多分そんなことをスペイン語で言ったのだと解釈し、タクシーの運転手に感謝を伝え宿に入る。 夜遅くということもありサクッと手続きを済ませ、あまり快適ではないベッドに横たわる。 薄暗い部屋の中で長時間の移動の疲労と、異国の地での興奮とが入り混じりなんとも言えない気分だ。そんな気分に酔いしれつつ目を閉じる。 明日から撮影だ。

    キューバという国は写真を撮る上で世界一撮りやすい国ではないだろうか。 人々の熱気、写真に対するポジティブな姿勢、何より被写体(人・モノ・風景全て)が格好良く、どこを切り取っても絵になってしまう。 チーノ!チーノ!(スペイン語で中国人の意だが、おそらくアジア系総称として使用されている)と言いながら笑顔で手を振ってくる子供たちもなんだか逞しい。 この格好良さはキューバに暮らす人々の生きる様の成せるものなのか、特殊な歴史・文化・経済がもたらすものなのか、はたまた資本主義の奴隷のように日々長時間働く私の目が変なのか。

    ここで私がキューバに訪れた理由を話しておきたい。 かの有名なザ・ビートルズのジョン・レノンに「世界一かっこいい男」と言わしめた人物、「チェ・ゲバラ」がボリビアの地で処刑されてからちょうど50年という節目の年であり、長年キューバという国を作り上げたゲバラの盟友、フィデル・カストロが亡くなって1年という年であったからである。 今のキューバは紛れもなくこの2人が作り上げたと言っても過言ではなく、そのアイコン的人物がこの世から去った現在のキューバをどうしても見たくなったからである。 また、アメリカとの国交正常化も進む報道がされ始めた時期でもあり、キューバという国が大きく変化する予兆があったのも大きな理由の一つである。 映像や写真、人から聞いた話でしか知らず、ぼんやりと憧れていたキューバという国が、今の自分にどう映り何を感じるのか。肌身で感じ、どうしても自分の写真として今のキューバを残しておきたかった。

    キューバには物もお金も資源も少ない。しかし、どの国よりも“熱”がある。 人々の熱、街の熱、文化の熱。さまざまな熱が交差し混ざり合い飛散して、私のような外国人が強く惹かれる魅力的な国になっているのかもしれない。 近年キューバでもスマートフォンが普及し、Wi-Fiの電波が飛び交い、ドローンも飛んでいる。 キューバは動いている。日々変化している最中であり、今を生きている。 変わらないで欲しいと願うのは余所者のエゴだ。 それを止めることなどできはしないし、してはいけない。 私はただアウトサイダーの一人として、このキューバという国が今後どのように進んでいくのか見守っていきたい。

    キューバに訪れて直接感じたこの“熱”はこの先未来永劫変わらないという保証はもちろんない。 それでも根本的なもの、この国を訪れて感じた感覚・感動は変わらないのではないだろうか。 人間は物もお金も資源がなくとも力強く生きていけることを。 またいつかこの“熱”を浴びに訪れたいと思う。

    なか・ゆうき
    写真家。栃木県生まれ。専門学校東京ビジュアルアーツ写真学科卒業。2011年〜2019年の間にGallery Niepceに所属。主な展示に、AUTUMN LEAVES @Gallery Niepce / Tokyo / 2014、50 + 1 years @エディオン蔦屋家電 / Tokyo / 2018、YOUNG PORTFOLIO 2015 @Kiyosato Museum Photographic Arts  / 2016、2017、2019など。国内外の都市を中心としたストリートスナップの写真を撮影している。

    Cuba

    Cuba

    Text & Photos: Yuki Naka

    When I got off the plane at the airport, an unusual heat clung to my body. Although I was exhausted after an 18-hour flight from Tokyo, I remember that I got so excited when I was surrounded by that heat. October in 2017. It was already the end of summer, and cool breezes were starting to blow in Japan, but that was not the case in Cuba. It was a bit sweaty even though we arrived late at night. Perhaps my body wrapped in early autumn clothes reacted to that heat because I got accustomed to the comfortable air conditioning on the plane and at the airport. There were many taxis parked in front of the airport. I followed the example of the previous person and negotiated the price to my destination in poor English. Someone told me that the fare from the airport to the capital was about 3,000 yen, but the taxi driver gave me a slightly lower price, perhaps as a result of my negotiation. The taxi driver, a stout Spanish type, smiled and said, “Welcome to Cuba!” I was finally able to visit here! The driver also told me, “Take off your jacket, it's hot, isn't it? Cuba is a hot country. Let's have fun!” Unlike others, I was wearing warm clothes in a country without winter. He started to play music. It was not the Cuban music I usually listen to in Japan, but music with a hip-hop flavor. Listening to the delightful music, I looked out the window. In the dark, buildings dotting the street between the faintly visible palm trees and the inadequate streetlights flowed like a slideshow. The buildings gradually changed in appearance as we approached the urban area of Havana. I felt as if I were diving through a stratum of history. Soon after, I arrived at the inn. The host welcomed me with a smile even though it was late. "We've been waiting for you. You must be tired. Come on! I'll show you around.” I guessed he said something like that in Spanish, and I went into the inn after I thanked the taxi driver. It was late at night, so I checked in quickly, and lay down on a not-so-comfortable bed. I felt indescribable in the dimly lit room, a mixture of fatigue from the long trip and excitement from being in a foreign country. I close my eyes, intoxicated by such a feeling. The next day, I would start shooting.

    Cuba is probably the most photographer-friendly country in the world. The people with enthusiasm, their positive attitude toward photography, and, above all, the subjects (people, objects, and landscapes) are all great that you can capture a picture no matter where you take the shot. Chino! Chino! (Spanish for Chinese, but probably used as a generic term for Asian people) Kids looked bold enough to call me “Chino!” and smiled at me with their hands waving. Is this coolness a result of the way of life of the people living in Cuba, or is it a result of the unique history, culture, and economy, or is there something wrong with my eyes as I work long hours every day as a minion to capitalism?

    I would like to talk about my reasons for visiting Cuba. It was the 50th anniversary of the execution of Che Guevara in Bolivia, the man who was famously told "the coolest man in the world" by John Lennon of the Beatles, and the first anniversary of the death of Fidel Castro, Guevara's longtime ally who helped build the country of Cuba. It is no exaggeration to say that these two men had built Cuba today. So, I really wanted to see the country after these iconic figures left this world. Moreover, reports began to appear on the ongoing normalization of diplomatic relations between Cuba and the United States. There were signs of dramatic change in the country of Cuba. How does Cuba, a country that I had only vaguely longed for and only knew about through images, photographs, and stories I had heard from others, appear to me now, and what do I feel about it? I wanted to experience Cuba firsthand and preserve it in my photographs.

    Cuba has few goods, money, and resources. However, it has more "heat" than any other country. The heat of the people, the heat of the city, the heat of the culture. It may be fascinating for foreigners like me to see the various heats intersecting, mixing, and dispersing. That's probably why this country attracts us so strongly. In recent years, smartphones have become widespread in Cuba, Wi-Fi signals are flying around, and drones are flying. Cuba is moving. It is in the midst of daily change and living in the moment. It is the ego of an outsider who wishes it would not change. There is no way to stop it, nor should there be. As an outsider, I would like to see how this country, Cuba, will progress in the future.

    There is no guarantee, of course, that the "heat" I directly felt when I visited Cuba will remain unchanged forever. Nevertheless, the sensations and impressions I felt when visiting this country will probably remain the same. This country showed me that humans could live powerfully without material goods, money, or resources. I would love to visit Cuba someday again to bask in this "heat”.

    Profile
    Photographer. Born in Tochigi Prefecture. Graduated from Tokyo Visual Arts College of Photography. Belongs to Gallery Niepce from 2011 to 2019. Exhibitions: AUTUMN LEAVES @Gallery Niepce / Tokyo / 2014 50 + 1 years @EDION TSUTAYA / Tokyo / 2018 YOUNG PORTFOLIO 2015 @Kiyosato Museum Photographic Arts  / 2016、2017、2019 He takes street snapshots of cities in Japan and abroad.

  • FISH 海の上のスケートボード
    SURF
    サーフィンの世界では、時代とともにさまざまなボードがトレンドになった。
    中でも、1960 年代に登場した“ フィッシュ” は、その生い立ちや乗り心地など、
    スケートボードに最も近い存在だ。
    In the surfing world, different boards have become trendy over time.
    Among them,“FISH” which appeared in 1960s is the surfboard
    considered to be the closest to the skateboard regarding its history or quality.

    FISH

    海の上のスケートボード

    OFF SEASON◎文・写真

     「フィッシュ」というサーフボードをご存知だろうか? サーファーだったら、きっと名前を聞いたことがあるだろうし、もしかしたら乗ったことがあるかもしれない。幅が広く、テールと呼ばれる末端部分は、文字通り魚の尻尾のような形状をしていて、一般的なサーフボードとは大きく見た目が異なる。サーフボードはシェイパーと呼ばれる職人によるハンドメイドだ。基本的にオーダーメイドなので、世の中には無数とも言えるボードデザインがある。その中でも、もっともスケートボードに近いフィーリングが味わえるボードがフィッシュかもしれない。

     スピードが早く、細かいターンができる。バーティカルな動きにはあまり向いてはいないが、何よりも自分が思うようなマニューバができる。「まるで裸足で滑っているような感じだ。海の上で自由になれるんだ」と、フィッシュの名付け親でもあるベテランサーファー、ジェフ・チンも語っている。フィッシュがスケートボードと相通じるのは、その生い立ちが似ているからかもしれない。

     フィッシュが生まれたのは1965 年。場所は南カリフォルニアのサンディエゴだ。1960 年代は激動の時代だった。第二次世界大戦が終焉して20 年あまり、世界は落ち着きと安定を取り戻していた。しかし、若者達は既存の体制に疑問や不満を内包しつつあった。特にアメリカでは、ベトナム戦争を契機に若者達に火がついた。音楽、社会、アートいろんな分野で、既存のメインストリームに対抗するムーブメントが起きた。いわゆるヒッピーやフラワーチルドレンに代表されるカウンターカルチャーだ。1969 年に開催されたウッドストックや反戦運動などは、象徴的な出来事だろう。「もっと自由を!」、これが若者達の声だった。サーフィンの世界も、このカウンタカルチャーの潮流の真っただ中にあった。1960 年代までロングボードと呼ばれる3m以上の長さのサーフボードが主流だったが、'65 年以降、年々、短くなっていったのだ。「もっと海の中で自由に動きたい」、そんな新しい世代のサーファー達の願望がこの「ショートボード革命」というムーブメントを引き起こした。フィッシュは、このショートボード革命の申し子と言っていいだろう。「もっと自由に!」、「もっと速く!」、そんなラディカルでコアなサーファー達の願望が生み出したのだ。

     スケートボードも時を同じくして、大きな変貌をとげていく。1959 年、初めてコンプリートのスケートボード「ローラー・ダービー」が売り出されて以降、全米で人気を呼びスケートボード・ブームを呼ぶ。しかし、1960 年代末、サンタモニカから革命が起る。カリスマサーファーでシェイパーであったジェフ・ホーが、モールドプラスティック製の軽量スケートボードを生み出したのだ。より自由に滑ることができる革新的なボードだった。このエボリューションにより、トニー・アルバ、ジェイ・アダムスなど「Z ボーイズ」が誕生したのは、往年のスケーターならよく知っていることだろう。

     フィッシュの生みの親は、サンディエゴのニーボーダー、スティーブ・リズだ。ニーボードは一般的なサーフィンと異なりボードの上で正座をしてライディングをする。ボードを手でホールドすることができ、重心が低く安定性もあるから、より波の際どいポジションからテイクオフできる。そのニーボードの浮力を増して立って乗れるようにしたのが、フィッシュというわけだ。その成功のカギとなったのが、フィンだ。フィッシュをひっくり返してみると、テールの部分にサメの背びれのようなパーツが二つ付いているのがわかる。スケッグとも呼ばれ、サーフボードのターンや安定性を確保するためにはなくてはならない。特に、フィッシュのフィンはキールフィンと呼ばれ、サイズとボリュームがある。当時は木片を削り出して作ったのだが、その材料となったのが、なんとスケートボードだった。デッキはサイズも厚さもフィンに手頃だった。乗らなくなったスケートボードをリサイクルしたというわけだ。その生い立ちだけでなく、フィッシュとスケートボードは不思議な縁でつながっている。

     一時はサーフシーンを風靡したフィッシュだが、その後は廃れてしまった。コンテストを主眼としたレーシングカーのようなサーフボードが主流になったからだ。しかし、ここ数年、再び注目を集め、リバイバルを果している。「もっと自由に波に乗りたい!」というフリーサーファー達によって。

    FISH
    映画『FISH』は必見。フィッシュの歴史や醍醐味を、マーク・リチャーズ、ロブ・マチャドなど有名サーファーに取材・構成した骨太ドキュメンタリー

    映画『FISH』DVD  販売はこちらから

    FISH オリジナルサーフボード  販売はこちらから

    FISH  Skateboard on the Ocean

    Text & Photo: OFF SEASON

    Have you ever heard of a surfboard called "Fish"? If you are a surfer, you have probably heard the name and maybe even ridden it. It is wide, and the end part, called the tail, is shaped like a fishtail, making it very different in appearance from a typical surfboard. Surfboards are handmade by artisans called shapers. Since they are basically custom-made, there are countless board designs out there.

    Among them, the board that feels the closest to a skateboard may be the fish surfboard. It is fast and can make fine turns. It is not very good for vertical movement, but it allows you to do the maneuvers you want. “It's like gliding barefoot on the ocean. I can be free when I ride that board.” said veteran surfer Jeff Chin, a godfather of “Fish”. Perhaps fish surfboards have in common with skateboards due to their similar origins.

    Fish surfboards were first built in 1965 in San Diego, South California. The 1960s were turbulent times. A little more than two decades after the end of World War II, the world had regained calm and stability. However, young people were beginning to internalize doubts and dissatisfaction with the existing system. Especially in the United States, the Vietnam War sparked a fire among young people. Movements against the existing mainstream emerged in various fields of music, society, and art. It was the counterculture represented by the so-called hippies and flower children. Woodstock and the anti-war movement in 1969 would be iconic events. “More freedom!” It was the voice of the youth. The surfing world was also in the midst of this counter-culture trend. Until the 1960s, surfboards over 3 meters long, called longboards, were the mainstream, but since '65, they have become shorter and shorter every year. The desire of the new generation of surfers to "move more freely in the ocean" led to the "shortboard revolution" movement. Fish surfboards could be said to be the children of this shortboard revolution. They were created by the desire such as more freedom and faster by radical and core surfers.

    Skateboards also transformed massively at the same time. In 1959 the first complete skateboard, the "Roller Derby," was put on the market. It became popular throughout the United States and led to a skateboarding boom. But at the end of the 1960s, a revolution took place in Santa Monica. Jeff Ho, a charismatic surfer and shaper, created a lightweight skateboard made of molded plastic. It was an innovative board that allowed boarders to skate more freely. This evolution gave birth to the "Z Boys," including Tony Alba and Jay Adams. Skaters of yesteryear would know this well.

    The creator of fish surfboards is Steve Liz, a San Diego-based kneeboarder. Kneeboarding differs from general surfing in that the rider sits upright on the board. Since they can hold the board in their hands and have a low center of gravity and stability, it is possible to take off from a more wave-critical position. The fish is a board with increased buoyancy of kneeboards that can be ridden standing up. The key to its success is the fin. If you turn the fish over, you will see two shark dorsal fin-like parts attached to the tail. Also called skegs, they are indispensable for surfboard turns and stability. In particular, fish fins are called keel fins and have size and volume. At that time, they were made by carving out pieces of wood. Surprisingly, the material used to make them was skateboards. The deck was reasonable in size and thickness for the fins. So, they recycled skateboards they no longer ride. In addition to their origins, fish surfboards and skateboards were connected by a mysterious bond.

    Fish surfboards dominated the surf scene for a time but then fell into disuse. It is because surfboards like racing cars, whose important focus is on contests, have become mainstream. However, in the past few years, fish surfboards have come back into fashion. Free surfers who want to ride the waves more freely have revived them.

    FISH
    The film "FISH" is a must-see. The film is a documentary about the history and the real joys of FISH, with interviews by famous surfers such as Mark Richards and Rob Machado.

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  • One last record 最後の一枚
    SOUND
    誰にでも、忘れられない一曲、一枚のアルバムがある。
    その音が奏でると、時を超えて、記憶がよみがえる。
    あなたが人生の最後に聴きたい音楽とは。
    写真家・小林昭さんのセレクトは、
    ソニー・ロリンズの『サキソフォン・コロサス』だ。
    Everyone has that one song, that one album, that they will never forget.
    When the sound plays, it transcends time and brings back memories.
    What is the music you want to listen to at the end of your life?
    Photographer Akira Kobayashi’s selection is Sonny Rollins’ Saxophone Colossus.

    One last record

    最後の一枚

    文・写真◎小林昭

     私は何年も前から老いのミニマムライフ楽しんでいます。どうしてこんなに走行30万キロの車からMGやMINIのレーシング部品、ブリテッシュ・グリーン色の数々のミニカーとスケートボードにサーフボードに小さな文具にいたるまで遊び道具が多いのに呆れ驚く。しかもそれらは本当に好きになり真面目に一緒に遊んできた物達です。それ故別れがたくもあり時間をかけて処分してきました。アナログ的なオーディオセットはLPと共に割りと簡単に捨てる事が出来ました。その時に捨てないで思い出に残しておいた最後の一枚のLPがソニー・ロリンズのサキソフォン・コロサスです。高校に入学した頃初めて買った思い出深いLPです。当時確か日本盤はプレステージではなくトップランクという名のレーベルでした。ジャケットはオリジナルデザインなのにレコード盤のレーベル印刷がプレステージではないのが残念でしかたなかったのですが、毎日小さなLP兼用のEPプレーヤーに針を下ろしていました。日本盤の粗末なジャケットが擦り切れる頃には本物の輸入盤を数寄屋橋の輸入盤専門店ハンターで手に入れていました。 「このアルバムはジャズの不滅の名盤としてまっ先に挙げられる一枚である」これはレコード業界の決まり文句ですが、私の個人的想いもあってこればっかりは異論を挟めない。天才的ドラマーのマックス・ローチを除き全員二十歳前半、若さ弾けんばかりの名セッションです。これぞジャズという感じの母親の故郷の島をテーマにした一曲目のセント・トーマスという曲が大好きで思わず一緒に唄わずにはいられないほどでした。のちに知るのですがカリブの島々が大国の奴隷貿易の一端を担っていた。ロリンズの祖先も米国領セント・トーマス島を経由してたどり着いた。そんな事を思うと益々ソニー・ロリンズを好きになっていったのを思い出す。私はその頃から音楽そのものが大好きで音質などのクォリティーは二の次でクラシックやジャズにロック、魂の込もった音楽なら何でも良かったのです。

     私の音楽は幾つかの事に影響されたと思っています。それは戦争直後の貧しい中でも電蓄とレコードがあり父親は大切に聴いていたのを覚えています。 母の愚痴によると私を身ごもっている時も彼はレコードばかり聴いていたそうです。それからもうひとつは小学生の一年から六年生まで担任が同じ先生で、しかも学校全体の音楽の先生でした。それ故に音楽の授業以外でも事あるごとに音楽の素晴らしさを話し、モーツアルトやシューベルトを美しいテノールで唄ってくれた。そんな大らかなちょっと変わった担任の先生をクラス全員が大好きでした。

     何年も前に仕事で滞在して撮影したカリブ海のフランス領マルティニーク島で仕事も無事終わりDay offをくつろいでいました。南国の島特有の早朝に降る雨の爽やかな瑞々しい風が草木の香りを伴い、古い石畳みの中庭を吹き抜けて行く。そしてそのあとを追うようにソニー・ロリンズの曲セント・トーマスも中庭を吹き抜ける。私は一瞬、耳を疑って信じられなかったが確かに誰かがイントロのフレーズのリフレーンの部分をテナーサックスで練習している様子です。アメリカ領セント・トーマス島の近くのフランス領マルティニーク島で、音楽は民族や国や言葉も越えて感情をも伝えられる人間の共通の言葉だと思う瞬間でした。私は南の島小さなホテルの中庭で幸せでした。だからこのアルバムを聴くと今でもあの時の中庭を思い出し幸せになります。

    saxophone colossus/sonny rollins
    サックス奏者ソニー・ロリンズが、1956年、プレステージ・レコードからリリースしたアルバム。発売直後からメディアに絶賛され、彼の名を世界に知らしめた。今年90歳になるレジェンドの代表作に挙げられる名盤。ファンの間では『サキ・コロ』の名で愛される

    プロフィール
    写真家。1940年東京生まれ。1960年代、 ビートニクスに憧れアメリカへ渡る。旅をしながら当時のアメリカ社会をフィルムに記録 する。以後、パンクカルチャー全盛期のロンドンで活躍し日本へ。コマーシャル、雑誌と 幅広く活躍する。『P.O.P』など著作、多数

        

    One last record

    Text & Photo: Akira Kobayashi

    I have been enjoying a minimalist life as the aged for many years. I was amazed at myself having so many playthings such as a car with 300,000 kilometers on the odometer, car racing components of MG and MINI , many miniature cars in British green, skateboards, surfboards, and small stationery. And they are things that I have really come to like and been playing with seriously. I was so reluctant to part from them that I had taken the time to get rid of them. I was able to discard the analog audio set rather easily, along with the LPs. One of the last LPs I kept as a memory instead of throwing it away at that time is Saxophone Colossus by Sonny Rollins. This is a memorable LP that I bought for the first time when I entered high school. At the time, the Japanese version was not on Prestige, but on a label called Top Rank. I couldn't help but be disappointed that the label printing on the record was not Prestige, even though the jacket was an original design. Every day I would put the needle down the record on my little LP/EP player.

    By the time the shoddy jackets of the Japanese disc was worn out, I had gotten the real import disc at Hunter, an imported vinyl specialty store in Sukiyabashi. “This album is one of the first to be listed as one of the immortal masterpieces of jazz.” This is a cliché in the record industry, but I can't argue with it, partly because of my own personal feelings.

    With the exception of the genius drummer Max Roach, all the members were in their early twenties, and it was a great session full of youthful energy. I loved the first song, St. Thomas, a song about his mother's home island, which I find out what jazz was all about, and I couldn't help but sing along with it.

    As I would later learn, the islands of The Caribbean were part of a great power's slave trade. Rollins' ancestors also arrived in the U.S. via Saint Thomas, U.S. Territories. When I think about this, I remember how much I fell in love with Sonny Rollins. Since then, I've always loved just music, not the quality of the sound. So I was happy to listen to classical, jazz, rock, or any music with a soul.

     I believe that my music preference was influenced by several things.

    I remember that even though we were poor right after the war, we had a gramophone and records, and my father loved to listen to them. My mother often complained that even when she was having me, my father would listen to records all the time.

    Another thing was that I had the same homeroom teacher from the first to the sixth grade, and he was also the music teacher for the whole grades. He talked very much about the beauty of music not only in the music class but at every opportunity, and sang Mozart and Schubert in his beautiful tenor. Everyone in the class loved this generous and a slightly unusual homeroom teacher.

     I was relaxing on my day off after a successful work trip to the French Caribbean island of Martinique, where I stayed and photographed for work many years ago. A fresh breeze from the early morning rain, typical of tropical islands, blew through the old stone-folded courtyard, accompanied by the scent of grass and trees. The song St. Thomas sounded through the courtyard as if it followed the wind.

    I couldn't believe my ears for a moment, but sure enough, someone was practicing the tenor saxophone refraining the part of the intro phrase. On the French island of Martinique, near the American island of St. Thomas, I had a great experience. That was the moment I realized music is a human common language that can convey emotions beyond ethnicity, country, or language. I was happy in the courtyard of a small hotel on a southern island. Whenever I listen to this album, it makes me happy to remember that courtyard.

    Saxophone Colossus/Sonny Rollins

    Saxophone Colossus is the album by American jazz saxophonist Sonny Rollins. It was released by Prestige Records in 1956. Immediately after its release, the album received rave reviews from the media and made his name known around the world. This album is one of the masterpieces of the legend, who turns 91 this year. This album is loved by his fans as Saki Colo.

    Profile A photographer born in 1940. In the 1960s, he went over to the U.S. longing for Beatnik.  As he traveled, he documented the American society of the time on film. Since then, he had been active in London during the heyday of punk culture and went back to Japan. He has been active in a wide range of fields, including commercials and magazines. Author of "P.O.P" and many other books.

  • Shelter 森の中に小さな家を作る。
    BOOK
    1970年代、自然回帰を指向するヒッピー達に
    カリスマ的な人気を誇った本がある。
    人間の生活の豊かさとは何かを問う一冊だ。
    In the 1970s, to be a hippi & to be one with nature was all the rage……
    One charismatic book described everything.
    What is the way to achieve a rich & fulfilling life?
    This book covers it all.

    Shelter

    森の中に小さな家を作る。

    文◎OFF SEASON

    1960年代から'70年代前半にかけて、ヒッピームーブメントが世界中の若者達によって巻き起った。その震源地はアメリカ西海岸だった。この社会的現象が生まれた理由を、一つの文脈の中で説明するのは難しい。アメリカの黄金期と呼ばれていた 1950年代を過ぎると、さまざまな問題が一気に表層化した。貧富の拡大、政情不安、公民権運動、ベトナム戦争……。そのような負の要因が圧縮され、爆発したのが、ヒッピームーブメントと言えよう。その根底にあるのは、既存の体制と価値観に対する反動だった。「ラブ&ピース」という言葉のもと、ミュージシャンやアーティストを巻き込みつつ、さまざまなカウンターカルチャーが誕生した。

     現在の「ヒッピー」という言葉には、カルチャー、いやファッションと言ってもいい表層的なイメージが色濃い。実際、当時のヒッピーの中でも、どの程度の若者がその本質を理解して行動していたのか疑問だ。ただ社会の因習や制度、経済や価値観に盲目的に従うことに意義を唱え、 “人間が生きる ”ということは何かということを純粋に考え、行動をした若者達がいたのも事実である。

     1973年に出版された『SHELTER』は、そんな本物のヒッピー達に支持された一冊だ。そのコンセプトは、「身の丈にあった家作り」だ。「SHELTER」は直訳すれば、「雨風を防ぐ避難所」という意味になるだろう。人間が暮らしていくために、広大で華美な家は必要なのだろうか? 豪邸を持つことが、果たして人間にとって本当に豊かなことなのだろうか? 著者のロイド・カーンは、このようなアンチテーゼのもと、さまざまな「家」の建て方を解説している。アフリカやネイティブ・アメリカン、ヨーロッパなどに古来から伝わる伝統的な家屋の実例を挙げつつ、当時のアメリカで「シェルター」的な家作りを実践して暮らしている人々を紹介している。興味深いのは、彼らの家がどれも、個性的ということだ。アメリカの南西部、ニューメキシコ州やコロラド州で撮影された家の写真は、見ているだけで楽しくなる。ツリーハウス、さまざまな材料で作られたドーム、ユルトと呼ばれる天幕、廃車になった自動車……。決して、雨風をしのぐためだけのそっけない建物ではない。シンプルで機能的ながらも、創意工夫にあふれている。そこに暮らす住人達も、実に楽しそうだ。

     この本を読んでいて想起されるのは、H.D.ソローだ。19世紀のアメリカを代表する思想家ソローは、街を捨て2年間、森の中で一人暮らした。その体験を記した『森の生活』は、時を超えて、ヒッピー達のバイブルとも呼ばれるようになった(ソローの哲学や思想に関しては、隣ページの秀逸な解説記事を読んでもらいたい)。彼は森の中で暮らすために小さな家を自分で建てるのだが、その記述が実に生き生きとして、しかも仔細にわたり具体的でおもしろい。ソロー独特の皮肉と批評を込めながらも、彼自身が家作りを楽しんでいることが行間から伝わってくる。ロイド・カーンが『森の生活』に触発されたことは想像に難くない。 『SHELTER』が、単なるコーヒーテーブルブックではなく、いかに実用に即した書を目指していたかは、巻末を読めばわかる。"ENERGY, WATER, FOOD, WASTE"と題し、太陽光を利用したウォーターヒーターや風車の活用、ゴミ処理、ガーデニング農園などの実践方法を紹介しているのだ。21世紀になってようやく気づき始めた事柄に、40年以上も前に着目していたロイド・カーンの先見性には驚く。 『SHELTER』は発売後3年間で2回重版され、18万5千冊販売された。この種の本では類をみないセールスだ。

    1973年に出版されて以来、根強い人気を誇る『SHELTER』。現在もフランス語、ドイツ語、スペイン語に翻訳され世界中で愛読されている。残念ながら日本語版は絶版だが、英語版は容易に手に入る。

    www. shelterpub.com

    Shelter

    Text◎OFF SEASON

    From the 1960s to the early 1970s, the hippie movement was sparked by young people all over the world. Its epicenter was the West Coast of the United States. It is difficult to explain the reasons for the birth of this social phenomenon within a single context. After the 1950s, which was known as the golden age of the United States, many problems began to surface. The expansion of the gap between rich and poor, political instability, the civil rights movement, and the Vietnam War ....... It can be said that the hippie movement was the result of the compression and explosion of such negative factors. It was a reaction against the existing system and values. Under the slogan "Love & Peace," various countercultures were born, involving musicians and artists.

    Today, the word "hippie" has a strong superficial image of culture, or even fashion. In fact, it is doubtful how many young hippies of the time understood the essence of the word and acted accordingly. It is true that there were young people who did not just blindly follow the customs, systems, economy and values of society, but who genuinely thought about what it meant to be human and acted accordingly.

    “SHELTER", published in 1973, was a book that was supported by such genuine hippies. The concept of the book was to "build a house that fits your size. " The literal translation of the word "shelter" would be "shelter from the wind and rain. Is it necessary to have a vast and ornate house for human beings to live in? Is owning a mansion really a rich thing for human beings? The author, Lloyd Kahn, explains various ways of building "houses" based on this antithesis. He cites examples of traditional houses from Africa, Native America, Europe, and other parts of the world, and introduces people in the U.S. at that time who were practicing and living in "shelter" style houses. What is interesting is that all of their houses are unique. The photos of the houses taken in the southwestern part of the United States, in New Mexico and Colorado, are a joy to look at. Tree houses, domes made of various materials, tents called yurts, and abandoned cars ....... They are not just simple buildings to keep out the wind and rain. They are simple and functional, yet full of ingenuity. The people who live there also seem to be enjoying themselves.

    This book reminds us of H.D. Thoreau, one of the leading American thinkers of the 19th century, who left the city and lived alone in the woods for two years. His book, "Life in the Woods," which describes his experiences, has been called the bible of the hippies over time. (For more on Thoreau's philosophy and thought, please read the excellent commentary on the next page.) He built himself a small house to live in the forest, and his description of the house is very vivid, detailed, concrete, and interesting. The book is filled with Thoreau's characteristic sarcasm and criticism, but you can feel between the lines that he himself enjoyed building the house. It is not hard to imagine that Lloyd Kahn was inspired by "Life in the Woods". You can see from the end of the book how “SHELTER” was intended to be a practical book, not just a coffee table book. "ENERGY, WATER, FOOD, WASTE" is the title of the book, and it introduces practices such as using solar-powered water heaters and windmills, waste disposal, and gardening farms. I am amazed at the foresight of Lloyd Kahn, who paid attention more than 40 years ago to matters that we have only begun to notice in the 21st century.

    In the three years since its release, “SHELTER” has been reprinted twice, selling 185,000 copies. That's unprecedented sales for a book of its kind.

  • Jacques Mayol ジャック・マイヨール
    PEOPLE
    映画『グランブルー』のモデルとなった伝説のダイバー、ジャック・マイヨール。
    深海に自分の拠り所を求め、イルカと人類の共生を夢見た。
    自死という最期を遂げたカリスマと「兄弟」の絆を結んだ一人の日本人に、
    その素顔を語ってもらった。
    Jacques Mayol, the legendary diver who was the model for the movie Le Grand Bleu(The Big Blue).
    He sought refuge in the deep sea and dreamed of a symbiosis between dolphins and humans.
    A Japanese man formed a “brotherhood” with a charismatic man who died by suicide.
    We asked him to tell us about the true face of Jacques Mayol.

    Jacques Mayol

    ジャック・マイヨール

    写真:横山泰介 文:山根佐枝

    「向こうで素晴らしい映画を観たの。大ヒットしているのよ!」
     今から30年以上前、フランスで夏休みを過ごした友人が大学の新学期に一部のパンフレットを見せてくれた。ブルーのグラデーションにイルカのシルエット、『Le Grand Blue』と綴られた表紙には、自然への郷愁と謎めいたインパクトがあった。待望のロードショーを観た私達は、未知の衝撃と感動に包まれた。海の深いところにあるブルーの世界を識り、人間とイルカの共棲、愛と人生の辛さ、さまざまな微妙を垣間見ることになる。「環境」や「平和」が現在ほど社会の中心的な話題ではなかった当時、まどろんでいた私達の心に投じられた小さな石。波紋は少しずつ広がり、「本当に大切なこと」への意識を目覚めさせる刺激となった。映画のモデルとなったのが、ジャック・マイヨール。主人公が海とイルカに焦がれ、現実の世界との「掛け違い」の果てに、深いブルーの淵へと還っていくというストーリーには脚色があったが、映画は後のジャック・マイヨールの最期をごく自然な流れのように感じさせる不思議なエンディングだった。

     ジャックと現実の時間を過ごした人物から、彼の残した言葉を聞きたくて、旧友、成田均さんの住む千葉・館山を訪ねた。そこはジャックが度々滞在した土地でもある。成田さんは、1969年にイタリアで開催された素潜りの魚突き世界選手権に出場し、ジャックを知る。「素潜りで 70m潜れる男」という神様のような存在が、 '70年に伊豆を訪れた際に出身地の秋田を旅しないか、と口説いたのが交友の始まりだ。 「宗教や国境の問題で、人間と人間が殺し合う世の中だけれど、イルカのように地球上には言語より大事なコミュニケーションがある。俺とお前のように」とジャックは成田さんを「弟」と慕った。言葉を超えた意識の交流で信頼と理解を深めた二人。時に我が侭なほどに純粋なジャックへの憤りと、尊敬と、様々な感情の入り交じりを成田さんは正直に語った。そこにはジャックに対する兄弟のような「愛情」が静かに脈打つ。 「ジャックは先見の明があった。『人類が真の平和と環境を求めるなら、手に入れた便利なテクノロジーの半分かそれ以上をリリースする覚悟が必要だ』と随分前から言っていました」

     人類がホモデルフィナス(イルカ人間)に近づくことで、理想の世界が実現すると強く信じていた。「もし人間の思考と精神にインスピレーションが少しでもあれば、傷ついてしまった我々の惑星、地球はまたパラダイスになるだろう」とジャックは語った。最期に成田さんに残したのは、「人類の未来に失望した、平和や環境に対して、自分なりに訴えて来たつもりだが、何一つ方向を変える働きができていない」という言葉。そして「200年後にお前と一度だけ会う機会を与えられたなら『世の中は俺の言った通りになっているだろう!』と言いたい。そのころには、人類はいなくなっているかもしれないけれど」と。あまりにも哀しい響き。

     自らの信念に生き、無念に打ちひしがれたジャック。イルカのように純粋な彼のメッセージは、没後20年以上を経てより輪郭を明らかにしてきている。まだまだ時間はかかるだろうけれど、それは社会において確実に共鳴を招いている。

    フリー・ダイバー
    Jacques Mayol ジャック・マイヨール
    1927年、上海生まれ。家族でよく夏を過ごした佐賀・唐津で、10歳の時に初めてイルカと出会い、インスピレーションを感じる。20代は旅を繰り返し、30代でフリーダイビングを始める。1976年には、人類初、素潜りでの 100mを記録。リュック・ベッソン監督の映画『グラン・ブルー』は、自伝『イルカと海に帰る日(原題:ホモデルフィナス)』が原作。2001年自ら命を絶つ

    Jacques Mayol

    Photo: Taisuke Yokoyam Text: Sae Yamane

    "I saw a great movie over there. It's a big hit!"  More than 30 years ago, a friend of mine who spent a summer vacation in France showed me a brochure during the new semester of college. The cover that spelled out "Le Grand Blue" had the blue gradation, the silhouette of a dolphin, which gave me a nostalgic and enigmatic impact on nature.

    As we watched the long-awaited roadshow, we were filled with unknown shock and excitement. You learned about the blue world in the depths of the ocean, the co-habitation of humans and dolphins, the pain of love and life, and glimpse of many other subtleties. At a time when "environment" and "peace" were not as central topics in society as they are today, this movie raised questions about them to those of us who were in a daze. It stimulated us to awaken our awareness of what was truly important.

    The model for the film was Jacques Mayol. The story was about a man who was passionate about the ocean and dolphins returned to the deep blue abyss after he became disappointed as a result of being awakened to the "discrepancy" between reality and his ideal. Although the film was dramatized, it had a strange ending which made us feel that the end of Jacques Mayol seemed like a natural progression.

    I visited Tateyama, Chiba, where my old friend Hitoshi Narita lives. I wanted to hear what Jacques had to say from Mr. Narita who had spent some real time with him. It was also the place where Jacques himself had often stayed.

     

    Mr. Narita got to know Jacques when he competed World Spearfishing Championships in Italy in 1969. Their friendship began when Mr. Narita talked to Jacques, the god-like "man who can dive 70 meters underwater without oxygen tanks", into traveling his hometown Akita together with him when Jacques visited Izu in 1970.

    "In a world where people kill each other because of religion and national borders, there is one form of communication on earth that is more important than language: dolphin communication. Just like you and me." Jacques adored Mr. Narita as his "little brother". The two had deepened their trust and understanding through an exchange of consciousness beyond words. Mr. Narita spoke honestly about his mixed feelings of resentment and respect for Jacques, who was sometimes selfishly pure.

    Mr. Narita has a brotherly "love" for Jacques deep in his heart. "Jacques had foresight. He had been saying for a long time that "If mankind seeks true peace and environment, we need to be prepared to let go of half or more of the useful technology we’ve got." He strongly believed that his ideal world would come true as mankind approached Homodelphinus (dolphin man). Jacques said, "If there is even a hint of inspiration in the human mind and spirit, our damaged planet, Earth, will be a paradise again."

    Jack's last words to Mr. Narita were "I'm disappointed in the future of mankind. I've been trying to appeal for peace and the environment in my own way, but I haven't been able to do anything to change the direction. If I were given the chance to meet you just once in 200 years, I would say, "The world is exactly as I told you it would be, isn’t it?” By that time, the human race may be gone, though. It sounds too sad. Jacques, who lived by his beliefs and was overwhelmed by regret. His message, as pure as a dolphin's, is becoming more apparent more than 20 years after his death. It will still take time, but it is definitely having a resonance in society.

    Jacques Mayol
    Free Diver. Born in Shanghai in 1927. He was inspired by his first encounter with dolphins at the age of 10 in Karatsu, Saga, where he often spent summers with his family. He traveled a lot in his 20s and started freediving in his 30s. In 1976, he became the first human being to dive 100 meters unassisted. Luc Besson's film "Grand Bleu" is based on his autobiography "The Day I Returned to the Sea with My Dolphin" (original title: Homodelphinus)

  • Michio Hoshino 星野道夫
    BOOK
    極北の大地を愛した星野道夫。
    悲劇の死を遂げてから、時を経た現在も、
    その作品は多くのファンに愛され続けている。
    Michio Hoshino loved the far north.
    His works have been loved by many fans
    even long after his tragic death.

    Michio Hoshino

    星野道夫

    文:OFF SEASON

     数多くの自然写真家がいる中で、星野道夫の作品がとりわけ光り輝いているのはなぜだろうか。 彼がフィルムに残した極限の地の自然、動物、人々の姿は、力強く純粋だ。しかし、どこかにほのかな温もりを感じさせる。かつて星野は『自然写真家という人生』の中で、このように述べている。「自然写真を撮るためにもっとも必要なものは何かと聞かれたら、それは対象に対する深い興味 だと思う」 写真に漂う温かさ。それは星野本人が被写体に向ける眼差しそのものではないだろうか。対象へ の興味と愛情が、作品の輝きを増しているのだろう。

     2020 年に刊行された『新版 悠久の時を旅する The Eternal Journey』のページをめくっていて、 改めてそう感じた。星野道夫という写真家の人生は多分に “ 運 ” が支配している。後に星野の代 名詞ともなるアラスカとの出合いも、運の連鎖だった。1971 年、大学の探検部に入部した星野は、 東京・神田の古本屋街で一冊の本を手にする。北方への漠然とした憧れ を抱いていた青年は、そ こに掲載され ていたエスキモーの村の写真に魅せら れた。そして、その村シシュマレフの村長宛に自分を受け入れてもらいたいと手紙を出したのだ。半年後、村長から返信が届き、3 ヵ月間にわたり滞在することになった。1978 年、アラスカ大学に入学するべく渡米。そこで出会ったさまざまな人々の影響を受けながら、自然写真家としての人生をスタートさせる。以後、アラスカを生活の基盤としながら、写真と執筆を両輪にして活躍。1996 年、カムチャツカ半島にてヒグマ の事故により、急逝。43 年間という短い人生だったが、一人の写真家の軌跡がこの一冊に刻まれ ている。

    アルペングロウ ( 山頂光 ) に染まる夕暮れのマッキンレー山 ( デナリ )

     新版は、数多くの写真とエッセイを再録した同名の写真集から8年の歳月を経て、新たに代表作と寄稿文3編が加わった。寄稿文の一つは星野道夫の息子である星野翔馬氏の著だ。星野が他界した時、わずかに1才だったが、父への思いを文に綴っている。夫人・星野直子氏が監修を務めているだけあって、その構成と内容は微に入り細を穿っている。過去、多くの作品を残している星野の業績をふかんするには、最適な一冊だ。 星野道夫の入門書としてはもちろんのこと、未発表作品も収められているので、ファンも改めて楽しめることだろう。

     また、「悠久の時を旅する 」と題した写真展が全国で巡回している。オリジナルのプリントを目にするまたとないチャンスだ。星野道夫の旅の足跡をたどってほしい。

    草むらに潜むグリズリー

    タテゴトアザラシの親子

    初霜がおりたワイルドストロベリーの葉

    星野道夫 。ロシア、チュコト半島にて。1996年

    未発表を含む写真 229 点とエッセイ 32 編を収載した同名の写真集に、新たに代表作と寄稿文 3 編が加わえて 8 年の歳月を経て新版として刊行された。定価:2750 円(税込) 出版社:クレヴィス

    Michio Hoshino

    Text:OFF SEASON

      Among the many nature photographers, why is it that Michio Hoshino's work shines so brightly? The images of nature, animals, and people in the extreme places he left on film are powerful and pure. However, there is something faintly warm about it. Hoshino once wrote in his book, A Life as a Nature Photographer.
     "If you were to ask me what is the most important thing you need for nature photography, I would say it is a deep interest in the subject.”
    There is a warmth in the photographs. It could be the very gaze that Mr. Hoshino himself had for his subjects. The interest and love for the subject matter probably add to the brilliance of the work.
     I felt that way again when I was flipping through the pages of the new edition of The Eternal Journey, published in 2020. The life of Michio Hoshino, a photographer, was probably dominated by luck. The encounter with Alaska, which would later become synonymous with Hoshino, was also a chain of luck.
    In 1971, Hoshino, who had joined the university's expedition club, picked up a book in a used bookstore in Kanda, Tokyo. The young man, who had a vague yearning for the north, was fascinated by the photos of Eskimo villages in the book. He wrote a letter to the mayor of the village of Shishmaref, asking the mayor to let him stay there. Six months later, he received a reply from the village mayor, and he was accepted to stay with them for three months. In 1978, he moved to the United States to attend the University of Alaska. Influenced by the people he met there, he began his life as a nature photographer. Since then, he had been active in photography and writing, making Alaska his base of life. In 1996, he died suddenly in a brown bear accident on the Kamchatka Peninsula. It was a short life, forty-three years. This book is full of one photographer’s journey.

    Mt. McKinley (Denali) at dusk in the alpenglow (summit light)

     The new edition is eight years after the photo book of the same title, which has reprinted many of his photographs and essays and includes new masterpieces and three contributed articles. One of the contributions was written by Shoma Hoshino, the son of Michio Hoshino. He was only one year old when Hoshino passed away, but he wrote about his feelings for his father in his sentences. As supervised by Michio’s wife, Naoko Hoshino, the structure and content of the book are very detailed. This is an excellent book to review the achievements of Hoshino, who left many works in the past. The book is not only a good introduction to Michio Hoshino but also contains unpublished works, so fans will be able to enjoy it once again. In addition, a photo exhibition titled " The Eternal Journey" is touring around Japan. This is a unique opportunity to see the prints of his original. I would like you to follow in the footsteps of Michio Hoshino's journey.

    A grizzly lurking in the grass

    A family of harp seals

    Wild strawberry leaves after the first frost

    Michio Hoshino In Chukotskiy  Poluostrov, Russia, 1996

    This book is a new edition of the photo book of the same title, which contains 229 photographs (including unpublished works) and 32 essays, published after eight years with a new representative work and three contributed articles.List price:2750 yen (including tax)Publisher: Crevis

  • Jimi Hendrix カリスマの素顔
    SOUND
    音楽界の革命児、ジミ・ヘンドリックス。
    彼の家族に日本人が存在していたことをご存じだろうか?
    類縁の一人が、1960年代を駆け抜けて 急逝した天才について語る。
    Jimi Hendrix is a revolutionary in the music world.
    Do you know that there was a Japanese member of his family?
    One of his relatives talks about the genius who died suddenly in the 1960s.

    Jimi Hendrix

    カリスマの素顔

    語り◎加藤惠理

     私の父は日系アメリカ人で、戦前に日本に帰化した帰米2世でした。私が高校を卒業した時に、父に自分のルーツを知るべきだと言われて、父の出身地であるシアトルに留学しました。
     叔父の家にホームステイすることになったんですが、叔母のハナ はアーティストで型破りな人だったんです。家に着いた早々、コー ヒーを飲みながら彼女が言ったんです。「あなたは聞いたことがな いだろうけれども、実はあなたの親戚に、とても著名なミュージシ ャンがいるのよ」って。「誰?」って軽く返した言葉の後に、彼女の口から飛び出た名前が、何とジミ・ヘンドリックスでした。
     もう驚いて、目がぐるぐる回りましたよ。当時は自分のベッドル ームの枕元に彼のポスターを張っていたような存在。「ちょっとア ンティー、取りあえず、私、部屋に入るわ」と言って、スーツケー スを2階に運んでいたんだけど、ショックで階段から落ちちゃうの。それで、前歯が欠けてしまった。あの時代、日系人は黒人と親戚ということは恥だと思っていた。だから、父も親戚もじっと沈黙していたんでしょうね。「いつでも会いに行けるわよ」と言われたけど、その時代は、サンシャイン・アメリカ! あちこちトリップ三昧でそれどころではなかった。
     日本に帰国してから、ずっと仕事が忙しくて...。正直、ジミのこ とも記憶の外でしたね。80年代後半、再びシアトルへ行き、ジミの父親、アル・ヘンドリックス宅へ訪ねた際、「ジミがいつ帰ってきてもいいように、用意しているんだよ」と、ジミの部屋を案内してくれて。当時、ジミは亡くなっていたわけだけど、彼のために世界中のファンからさまざまなお悔やみの手紙や、ジミが獲得した賞状とか盾、壁やアルバムが壁にひしめき合ってた。恐縮していたら、「遠慮しないで。親戚じゃないの」って、すごくよくしてくれました。
     で、お茶を飲みながら、アルおじさんが「ジミがね、何でいつも羽を頭につけてたか、知ってるかい?」って。ジミのおばあちゃん、 つまり、アルおじさんのお母さんは 100%のチェロキー・インディアンだったんです。チェロキー・インディアンの掟として、ある程度、自意識が生まれたころに一人で森に置いてきて、自分の精霊に出会うようにほったらかしにしておくんですって。確か、アルおじさんはうさぎだったかな。それでアルおじさんも、同じように泣きじゃくる幼いジミを森に置いてきたそうなんですよ。次の日に行ったら、ジミは白いワシに出会ったと。「それなら、お前の守護神はホワイトイーグルだ」って。そこからジミはワシに対して意識がすごく強くなって、多分自分のマスターだったんじゃないのかな。彼が有名になってからも、いつもどこかに羽をつけてたんですよ。後年、私の親類のアンディあやこがアルおじさんと結婚した。ジミは「あやこがママになってくれてありがとう」とうれしがっていたそうです。きっと同じモンゴリアンの血が流れていたからでしょう。「日本で演奏したい」とも言ってたそうです。
     話は戻りますが、ジミがもの心ついたころ、アルおじさんは余裕 がなくてクリスマスプレゼントを買ってあげることができなかった。 白人の大家さんの息子さんが飽きたのか、白いフェンダーギターを 捨てていた。で、「うちの息子のために譲ってくれないか」と懇願 して、5ドルで買ったんですって。それがジミとギターの出会いなんですよね。左利きだったから、逆さまの弦をタランタラン鳴らし て、それは喜んでたんだよって。
     ジミが 有名になってから、ドラッグや酒に溺れていたとかと言われたけど、実はそうではないと、アルおじさんは断言していました。お酒もそんなに飲まないし、ドラッグでつぶれるような男ではないと。陰謀で彼をすごくサイケデリックで、ぶっ飛んでいる男として象徴する演出をしたい人達がいたと。まあ、女性に対しては、いつも興味はあったみたいですけど(笑)。  毎年、シアトルに行って、ジミのお墓参りをしています。「ハイ、 ジミ。あなたのことを知ってよかった」というのが、私のいつもの メッセージなんです。

    かとう・えり
    東京生まれ、湘南・秋谷在住。クリエイティブプロデューサーとして老舗店のブランディングや商品開発等を手がける。父の義妹アンディあやこがジミ・ヘンドリックスの義理の母にあたる

    Jimi Hendrix

    Talk: Eri Kato

     My father was a second-generation Japanese American who was naturalized in Japan before World War II. When I graduated from high school, my father told me that I should know my roots, so I went to study in Seattle, his hometown. I stayed with my uncle's family, and my aunt in law, Hana was an artist and quite unusual.

    When I arrived their home, she told me drinking coffee, "You may not have heard about it, but I have a relative who is a very famous musician. "Right after I asked her "Who?", the name that came out of her mouth was, to my surprise, Jimi Hendrix! I was so amazed that I even felt dizzy.At that time, I was so into him, and I had a poster of him on the wall in my bedroom.I told her, "Let me go into my room first, auntie.” I tried to calm myself down and carry my suitcase upstairs, but I was so startled that I fell down the stairs. So I chipped my front tooth.

    Japanese Americans thought it was a disgrace to be related to blacks in those days. I guess that's why my father and his relatives stayed silent.She told me that I could go and see him anytime I wanted, but those were the days of Sunshine America!  I was too preoccupied with traveling from place to place to spend my time meeting him.

    After I came back to Japan, I was very busy with work, and to be honest, I didn't even recall Jimi. In the late ‘80's, I went back to Seattle to visit Jimi's father, Al Hendricks, and he showed me around his room and said, "I'm just trying to be prepared for when Jimi comes back.”Of course, Jimi has already passed away. I found his room had condolence letters from his fans in the world, certificates, plaques that Jimi had won, and albums. They were on the wall. When I was nervous to see them, he said, "Don't be shy. We're relatives." I appreciated him being nice to me.Having tea together, Uncle Al said, "Do you know why Jimi always wore a feather on his head?"

    Jimi's grandmother, Uncle Al's mother, was 100% Cherokee Indian.The Cherokee Indians have a rule that when a child becomes somewhat self-aware, they leave him or her alone in the forest and leave him or her alone to meet his or her own spirit.Uncle Al was a rabbit, I think. He left a young Jimi in the forest who was crying as well.When he picked up Jimi the next day, he told his father that he encountered a white eagle. So he said to his son,” Your guardian angel must be the white eagle.” Since that day, Jimi had become very conscious of the eagle and probably thought of it as his mentor!

    Even after Jimi became famous, he always had a feather on him somewhere. In later years, one of my relatives, Andy Ayako, got married to Uncle Al. Jimi said he was happy that Ayako became his mother.
    I'm sure it was because she had the same Mongolian blood as Native Americans. He was so interested in Japan that he wanted to perform in Japan.

    Back to the story, when Jimi was young, Uncle Al couldn't afford to buy him a Christmas present. He happened to find the white Fender guitar, which his white landlord's son had gotten bored of, and thrown it away. He begged the landlord to sell it to him for five dollars.That's how Jimi met his first guitar. Al told me that although Jimi was left-handed, he played the strings upside down with great pleasure.After Jimi became very famous, people said that he got arrested for drugs, and he spent his days continuously drinking. Uncle Al said definitely that wasn't the case.He didn’t drink that much, and he was not the kind of guy who would be smashed by drugs. Uncle Al believed that there was a conspiracy to portray Jimi as a psychedelic and crazy man.Well, he was always interested in women though.
    Every year, I go to Seattle to visit Jimi's grave. I always talk to him "Hi, Jimi. I'm glad to have known you."

    Eri Kato
    Born in Tokyo, and lives in Akiya, Shonan. She is involved in the branding and product development of long-established stores as a creative producer,. Her father's sister-in-law, Ayako Andy, is Jimi Hendrix's stepmother.

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